La tradition de la musique est très ancienne.
Elle a été mentionnée dans les Vedas.

Il y a eu plusieurs légendes sur l'évolution de la musique indienne. Toutefois, jusqu'à maintenant, l'origine exacte de la musique indienne n'est pas vraiment connue, mais il est certain que le chant a été une tradition culturelle du passé. Depuis combien de temps il est pratiqué cela reste encore un mystère. Les légendes évoquent le fait que la musique a beaucoup d'importance dans la culture de l'Inde. En Inde, la musique est un moyen d'exprimer la dévotion et l'amour inconditionnel pour Dieu.

Formes et styles de musique indienne

Le Dhrupad est un genre vocal de la musique classique hindoustanie, reconnu comme étant le plus ancien, encore en usage dans cette tradition musicale. Son nom est dérivé des mots "Dhruva" (fixe) et "pada" (mots). Le terme peut désigner aussi bien la forme de vers de la poésie et le style dans lequel il est chanté.

Tansen - pionier de la Musique Classique Indienne

Dhrupad Maestro : Ustad Dagarji

Cependant, le fond musical de Dhrupad a une longue histoire remontant aux Védas (écritures sacrées). Le Shataka Yugala de Shri Shribhatta dans la Sampradaya Nimbârka, contient du dhrupad. Swami Haridas (également dans le Sampradaya Nimbârka), le gourou de Tansen, était un chanteur bien connu de dhrupad.

Khayal

Le Khyal est le genre moderne du chant classique en Inde du Nord. Son nom vient d'un mot arabe qui signifie «imagination». On pense qu'il s'est développé à partir du style de chant qawwal. Il est apparu plus récemment que le dhrupad, est une forme plus libre et flexible, et il offre une plus grande liberté à l'improvisation. Comme toute la musique classique indienne, le khyal est modal, avec une seule ligne mélodique et harmonique pas de parties harmoniques. Les modes sont appelés ragas, et chaque raga est un cadre complexe de règles mélodiques.

Khyal se base sur un répertoire de chansons courtes (deux à huit lignes); une chanson khyal est appelé bandish. Chaque chanteur rend généralement le même bandish différemment, le texte et le raga restant les mêmes. Les bandishes Khyal sont typiquement composés dans une variante de l'ourdou / hindi, et parfois en persan, marathi ou punjabi, et ces compositions couvrent des sujets variés, tels que l'amour romantique ou divin, l'éloge des rois ou des dieux, les saisons, l'aube ou crépuscule, et les facéties de Krishna, et ils peuvent contenir des symboles et des images. Le bandish est divisé en deux parties - l'Sthayi (ou Asthayi) et l'Antara. Le Sthayi utilise souvent des notes de l'octave inférieure et la moitié inférieure de l'octave moyenne, tandis que l'Antara monte à la tonique de l'octave supérieure et au-delà, avant de descendre et de lier de nouveau au Sthayi. Le chanteur utilise la composition comme matière première pour l'improvisation, accompagné par un harmonium ou instrument à cordes frottées tels que le sarangi ou le violon jouant hors ligne mélodique de la chanteuse, un ensemble de deux tambours (tablas), et un "drone" en arrière-plan. Le rôle de l'accompagnateur est d'assurer la continuité lorsque le chanteur fait une pause pour respirer, à l'aide de petites variations des phrases du chanteur. Bien qu'il existe une grande variété de motifs rythmiques qui pourraient être utilisés par le percussionniste, les interprétations de khyal utilisent généralement Ektaal, Jhoomra, Jhaptaal, Tilwada, Teentaal, Rupak, et Adachautaal.

Un spectacle typique khyal utilise deux chansons - le khyal bada ou grand khyal, en tempo lent (Vilambit laya) et le khyal Chhota (petit khyal), dans un tempo rapide (Drut laya), est utilisé à la fin et est habituellement dans le même raga mais dans des taals (rythmes) différents. Les chansons sont parfois précédées par un alap pour esquisser la structure de base du raga sans accompagnement; l'alap prend beaucoup moins de place dans le khyal que dans le dhrupad.

Comme les chansons sont courtes, et les performances longues (une demi-heure ou plus), les paroles perdent de leur importance. L'improvisation est ajouté de plusieurs façons: par exemple improviser des mélodies nouvelles, les mots, en utilisant les syllabes des chansons (BOL-baant, bol-taans), chanter les noms des degrés de l'échelle - SA, re, ga, ma, pa, dha et ni (Sargam) - ou simplement intercalant phrases chantées sur les voyelles, habituellement la voyelle A, taans Akaar. Les Taans sont l'une des principales caractéristiques distinctives du khyal. De temps en temps, le chanteur revient à la chanson, en particulier à la première ligne, comme un point de référence. Outre les tempos Vilambit (lent) et Drut (rapide), une performance peuvent inclure les tempos ati-Vilambit (ultra-lente), le Madhya (vitesse moyenne) et ati-Drut (super-rapide). Des formes telles que les taranas, thumris ou tappas sont parfois utilisés pour terminer une performance Khyal.

Khayal a été popularisé par Niyamat Khan (alias Sadarang) et son neveu Firoz Khan (alias Adarang), les deux musiciens à la cour du Shah Mohammed Rangile (1719-1748). Il semble probable que le khyal existait déjà à l'époque, mais peut-être pas sous sa forme actuelle.
Les compositions de Sadarang et Adarang emploient le thème de l'amour de la poésie Hindi.


Un raga (en sanskrit raga राग, littéralement "la couleur, la teinte" mais aussi "la beauté, l'harmonie, la mélodie; également orthographié raag, Ragam) est l'un des modes mélodiques utilisés dans la musique classique indienne.

Il s'agit d'une série de cinq notes ou plus de musique sur lesquels une mélodie est faite. Dans la tradition indienne musicale, les ragas sont associés à différents moments de la journée, ou aux saisons. La musique classique indienne est toujours dans un raga. La musique non-classique tels que des chansons des films indiens ou ghazals utilisent parfois des ragas dans leurs compositions.

Le raga sanskrit est dérivé de la racine verbale Ranj " couleur, teinture». Il est utilisé dans le sens littéral de «l'acte de la teinture", et "la couleur, la teinte", notamment "la couleur rouge» dans les épopées en sanskrit.

 

 

 

 

Khayal Maestro : Pandit Kumar Gandharva

Khayal Maestro : Bharat Ratna Pandit Bhimsen Joshiji

 

Au sens figuré "passion, amour, désir, plaisir» se retrouve également dans le Mahabharata. Le sens spécialisé de "beauté", en particulier de la voix ou une chanson, émerge en sanskrit classique, utilisé par Kalidasa et dans le Pancatantra.

Le premier terme se produit dans un contexte technique dans le Brihaddeshi ( 5ème au 8ème siècle), où il est décrit comme «une combinaison de tons qui, avec de belles grâces éclairantes, plaît aux gens en général».

Beaucoup de ragas Hindustani (Nord de l'Inde) correspondent à un moment donné d'une journée ou une saison. Pendant la mousson on associe aux ragas de mousson le pouvoir magique de faire tomber la pluie. Toutefois, ces prescriptions ne sont pas strictement appliquées, en particulier depuis que les concerts modernes ont généralement lieu dans la soirée. Il a également été une tendance croissante au cours du siècle dernier pour les musiciens nord de l'Inde du Sud d'adopter des ragas indiens, qui ne correspondent pas à un moment particulier de la journée ou une saison. Le résultat de ces diverses influences, c'est qu'il y a une plus grande souplesse quant au moment où les ragas peuvent être chantés.

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Le Tala ou Taal (sanscrit Tala) est le terme utilisé dans la musique classique indienne pour le motif rythmique de toute composition et pour l'ensemble du sujet du rythme, correspondant grosso modo au compteur dans la musique occidentale.

 

Tabla Maestro : Ustad Zakir Hussain

Le rythme dans la musique indienne joue le rôle d'un compteur de temps. Un Taal est un cycle rythmique des battements avec un flux et reflux de divers types d'intonations qui retentit sur un instrument à percussion. Chaque motif a son propre nom. La musique classique indienne a des règles complexes avec l'élaboration de beaucoup de modèles possibles, même si en pratique peu de TAALS sont très fréquents alors que d'autres sont rares. Le taal la plus courant dans la musique classique hindoustani est le Teental, un cycle de quatre mesures de quatre temps chacun.

Un taal n'a pas un rythme fixe et peut être joué à des vitesses différentes. Dans la musique classique hindoustani un récital typique d'un raga se divise en deux ou trois parties classées par le tempo de la musique - laya Vilambit (tempo lent), le Madhya laya (tempo moyen) et laya Drut (tempo rapide).

Chaque cycle d'un taal qui se répète est appelé avartan. Un tala est généralement divisé en sections (vibhaags).

L'instrument le plus commun pour maintenir le rythme de la musique hindoustanie est le tabla, tandis que dans la musique carnatique, c'est le mridangam (qui est également transcrit comme mridang).
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Thumri / Dadra
Thumri est un genre commun de la musique indienne semi-classique.

Le texte est romantique ou de nature dévotionnelle, et tourne habituellement autour de l'amour d'une fille pour Krishna. Les paroles sont généralement dans des dialectes de l'Uttar Pradesh Hindi appelé Poorbi et Brij Bhasha. Le Thumri se caractérise par sa sensualité, et par une plus grande souplesse avec le raga.

Le Thumri est également utilisé comme un nom générique pour d'autres formes, encore plus légers, tels que Dadra, Hori, Kajari, Saavan, Jhoola, et Chaiti, même si chacun d'eux possède sa propre structure et le contenu - soit lyrique ou musical ou les deux - et ainsi l'exposition de ces formes varient. Comme la musique classique indienne elle-même, certaines de ces formes ont leur origine dans la littérature populaire et la musique.

La Reine du Thumri : Shobha Gurtu

Musique dévotionnelle
La musique dévotionnelle exprime la Bhakti (dévotion) envers Dieu .

Un Bhajan est un type de chant dévotionnel indien. Il n'a pas de forme fixe: il peut être simple comme un mantra ou un kirtan ou aussi complexes que le dhrupad ou kriti avec une musique basée sur des ragas classiques et talas. Il est normalement lyrique, exprimant l'amour pour le Divin. Le nom, apparenté à la bhakti, ce qui signifie la dévotion religieuse, suggère son importance pour le mouvement de la bhakti qui se propagea à partir du sud de l'Inde dans le sous-continent à l'époque moghole.

Anecdotes et épisodes des Écritures, les enseignements des saints et des descriptions des dieux ont tous fait l'objet de bhajans. Le style Dhrupad, qawwali, soufi et le kirtan ou la chanson dans la tradition Haridasi sont liés aux bhajans.



Kabir, Meera, Surdas, Tulsidas, Nanak sont des compositeurs reconnus

Sant Dnyaneshwar, Tukaram and Ram Das sont des poètes célèbres
du Maharastra (créateurs des Marathi Abhangs - poèmes)

Bullehshah célèbre saint et poète Sufi


Les traditions du bhajan comme Nirguni, Gorakhanathi, Vallabhapanthi, Ashtachhap, Madhura-bhakti et la forme traditionnelle Sampradya Bhajan du sud de l'Inde ont chacune leur propre répertoire et des méthodes de chant.

Marathi Natyasangeet

Marathi NatyaSangeet est l'un des style de chant les plus populaires et très complexe dans le Maharastra. Les chants du Marathi Drama s'appelent Marathi Natyasangeet. Les pièces les plus populaires du théâtre comme Saubhadra, Manapaman ont plus de 100 ans mais sont toujours populaire à cause de leur beauté originelle.
Le style d'interprétation de Shivkumar en Natyasangeet est très talentueux tout comme celui de son Guru Shri Karekarjee Prabhakar. Le style de ce dernier est plus ou moins proche du Maître Mangueshkar Dinanath.

Late Mangueshkar Dinanath Master

 

Harmonium

L’harmonium, dérivé de l'orgue-expressif de Grenié fut inventé en Europe par le Français Alexandre-François Debain (1809-1877) qui le fit breveter en 1842. Jakob Alexandre (1804-1876) et son fils Edouard (1824-1888) avec Victor Mustel mèneront l'instrument, qu'ils appellent orgue-mélodium, orgue celesta, kunstharmonium, harmonium-celesta à son point de perfection. Victor Mustel y ajoute un célesta au deuxième clavier.

Dès le XIXe siècle il fut importé en Inde. Toutefois l'harmonium à pédales disparut rapidement car inadapté à la culture sociale (on s'assoit par terre en Inde) et musicale (pas d'accord harmonique dans la musique indienne). Très vite les pédales ont été remplacées par un soufflet (similaire à celui de l'accordéon) et l'instrument fut posé par terre, le musicien l'actionnant de la main gauche tandis qu'il joue la mélodie de la droite.

C'est un instrument encore très employé dans beaucoup de genres de musique hindoustanie, en particulier dans les chants qawwalîs et les bhajans, ainsi que dans beaucoup d'églises ou d'écoles ou d'ashrams.

Il faut noter la révolution que provoque cette arrivée. Certes d'un emploi facile, il a néanmoins le défaut d'être accordé selon le tempérament égal occidental, et malgré les tentatives d'accordage à l'indienne, il ne correspond pas du tout à la hauteur juste des notes variables rencontrées dans les divers râgas.

Du fait de son influence, la musique indienne s'occidentalise et les oreilles musicales des maîtres changent aussi, pour le pire : une « uniformisation occidentale ». D'un simple d'accompagnement, ayant remplacé le sarangi, une vielle difficile à jouer, mais juste et proche des inflexions de la voix, l'harmonium est en passe de devenir un instrument « majeur » puisque c'est lui qui donne le ton aux autres, dans les petits ensembles. De même les chanteurs se fondent sur lui, alors qu'auparavant il accordaient leur luth d'accompagnement, la tampura, en vertu de leur oreille et en vertu du râga à jouer. Du fait de ses sonorités nasillardes, le timbre de voix des chanteurs qui étudie avec son aide, change aussi alors que contradictoirement, il tend à disparaître de la culture occidentale.

 

 

Harmonium Maestro : Pandit Tulshidas Borkar

 

Tabla

Le tablâ est un instrument de musique à percussion indien. Certainement dérivé des nagaras ou des « tablas » arabes, la légende en rapporte l'invention à Amir Khusrau, fondateur de la Delhi gharânâ, au XIVe siècle. On dit aussi qu'il serait né de la colère d'un musicien qui aurait jeté son mridangam par terre et l'aurait brisé en deux : l'instrument fonctionnait toujours et donna naissance au tablâ.

On en joue assis par terre, les instruments reposant sur des petits coussins afin de les orienter proprement.

Les peaux sont frappées avec les doigts. Les mains sont en contact permanent avec l'instrument, offrant un appui aux doigts, qui ont ainsi plus de précision. La technique en est très évoluée et permet de réaliser une grande variété de sonorités, aiguës ou graves, sèches ou profondes, la frappe sur le tambour grave servant surtout à donner la cadence.

Le tablâ est utilisé en solo, en accompagnement de chants et de danses kathak ou d'ensemble d'instruments traditionnels indiens, comme le sitar ou le sarod. On y joue surtout la musique indienne hindoustani, mais il apparaît aussi dans la musique de film, et la world music.

Diverses régions indiennes ont élaboré leur propre style de jeu du tablâ et on se réfère à six écoles majeures ou gharânâ : celles du Punjab, de Delhi, d'Ajrada, de Farukhabad, de Lucknow et de Vârânasî. L'apprentissage du tablâ est très long et nécessite la présence d'un guru qui transmet les bols, c'est-à-dire, les onomatopés désignant les divers techniques de frappes. Il y a en effet des milliers de rythmes à mémoriser ainsi.

Le tablâ tarang est un ensemble de sept tablâs posés en demi-cercle autour du tabliste, et accordés chacun selon une note afin de former un râga. Les instruments sont dès lors joués les uns après les autres afin de décliner les mélodies. C'est une formation assez rare, mais prisé au cinéma indien.

Latif Khan playing tabla - Pandit Shivkumar in concert

 

Tanpura

 

 

 

Prononcé tampoura, on l'appelle aussi tamboura (en Inde du sud) ou tampuri (petite tampura). Les Anglo-Saxons, y compris les Indiens anglophones, utilisent plutôt la graphie tanpura ou tânpûrâ, etc. Ce luth qui est bien un instrument à cordes pincées est particulier puisqu'il n'est qu'un bourdon harmonique d'accompagnement dont on joue à la manière d'une harpe. Bien que masculin en Inde, le terme est plutôt féminin en français. On rencontre également d'autres termes tels tandûrâ ou tambûrî, qui sont des versions réduites folkloriques du Rajasthan et du Maharashtra.

Instrument essentiel à la musique indienne modale, il accompagne toute manifestation musicale en précédant toute autre émission sonore (vocale ou instrumentale). Il s'agit en quelque sorte d'un diapason permanent. Il y en a deux généralement qui accompagnent les grands artistes (chanteurs ou instrumentistes).